MUSICA VIVA

Henze:

"Nachdem ich im Sommer 1952 für ein Jahr nach München gezogen war und bevor ich nach Italien übersiedelte, kam ich viel mit Karl Amadeus zusammen. Es war eine sehr innige und intensive Freundschaft. Ich habe miterlebt, wie seine Werke entstanden sind, zu denen er mir immer liebenswürdigerweise Einblicke in die Partitur, in den Entstehungsprozess verschafft hat. Für mich war dies ungemein anregend und instruktiv. Ich durfte außerdem zu den Proben der musica viva gehen und habe in dieser Zeit, dank dieser Konzerte, sehr viel gelernt.
...
Er hatte zu Recht auch das Gefühl, dass man in solchen Programmen informieren muss, dass man seine Hörer mit dem Wissen über die neuen ästhetischen Standorte, über die neuen Erscheinungsformen der Musik versorgen muss. Bei ihm hatte das Ganze auch etwas Ungewöhnliches, nämlich Glanz. München leuchtete, und die musica viva leuchtete. Sie waren Treffpunkte für Kunstinteressierte, für Wissenschaftler, für Philosophen, für Mediziner, die sich mit Musik befassten, und eben für die Jugend. Die musica viva war und ist der Ort, wo große künstlerische Ereignisse stattfinden und man sich darauf verlassen kann, dass jedes dieser Konzerte ein Erlebnis bedeutet."

Konzert des Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Lothar Zagrosek zu Ehren von Hartmann am 29.10.2004. Hartmann selbst hätte seine Freude gehabt an dem weit gespannten dramaturgischen Bogen, der über drei Komponistengenerationen reicht.

Kent Olofsson
"Fascia" für Charango, elektrische Midi-Gitarre, Sample-Sounds und Orchester, 3. Preisträger des BMW Kompositionspreises der musica viva, Uraufführung
Karl Amadeus Hartmann
Symphonie Nr. 1 "Versuch eines Requiems"
für eine Altstimme und Orchester
Wolfgang Rihm
"Unbenannt IV" für Orchester mit Orgel
Uraufführung der revidierten Fassung

Während mich das Werk von Olofsson kaum beeindruckte, war ich von Hartmanns Sinfonie und vor allem vom Werk "Unbenannt IV" von Wolfgang Rihm sehr beeindruckt. Erst vor kurzem hat mich ein Streichquartett von Rihm, das er als Auftragswerk für die Kandidaten des ARD-Musikwettbewerb geschrieben hat, ebenfalls bewegt. Von Rihm möchte ich noch mehr hören.

Mehr zu Karl Amadeus Hartmann ....

Mehr zu Werner Henze ...

Hartmann mit Nono und Maderna
1962 in München

16. 1. 2005

in der Philharmonie unter Ingo Metzmacher neben dem Konzert für Klavier und Orchester Nr. 1 von Bela Bartok und dem Konzert für Klavier und Bläser von Igor Strawinsky die 2. und 6. Symphonie von Karl Amadeus Hartmann.

Sein 100. Geburtstag ist Anlass sich seiner zu Gedenken. Ingo Metzmacher gab der Süddeutschen Zeitung ein interessantes Interview, von dem ich hier ein paar Antworten wiedergeben möchte:

Metzmacher meint:

Ich glaube, [Hartmann] fungiert als Bindeglied zwischen Berg, Bruckner oder Mahler und den jüngeren Komponisten wie Henze oder Rihm.

Die Zeit hat ihn gezwungen, sofort erwachsen zu werden. Plötzlich ist ein anderer Ton da. Was für mich immer noch unbegreiflich ist, er hat [ in der Nazizeit ] weitergearbeitet auch im Bewußtsein, dass diese Zeit immer oder jedenfalls viel länger so bleiben könnte. Er war ja kein Mensch, so berichten es Leute, die ihn erlebten, der sich gerne zurückgezogen hat. Er liebte Gesellschaft, das offene Wort. Das musste er alles einschränken.

Hartmann hat am Schluss seines Lebens die "Gesangsszene" geschrieben[ auch als 9. Symphonie bezeichnet - diese wird Mariss Jansons am 21.1.2005 in der Philharmonie mit dem Symphonieorchester des BR aufführen). Das war die Vorwegnahme grüner Positionen. Er ergreift Partei. Hartmann ist immer ein kritischer Mensch geblieben.

Alles ist empfunden, er macht keine Show. Die Musik stellt sich wie sie ist. Bei Nono ist das ähnlich. .... Es ging ihm nicht um Agitation, sondern um Stellungnahme. Ich finde es merkwürdig, dass man sich angesichts der besonderen Lebensleistung dieses Mannes in Deutschland nicht viel mehr für ihn interessiert.

[Mein neues Buch 'Keine Angst vor neuen Tönen'] beschreibt meine Reise in die Welt der Moderne. Es gibt so viele Vorurteile: Neue Musik ist schwierig, anstrengend, problembeladen, macht keinen Spaß. Da suche ich dagegenzuhalten, dass sie für mich aufregend und lustvoll ist, anregend für Herz, Geist und Seele. Man muss die positive Energie dieser Musik vermitteln. Es gibt keine Musik, die so reich an Verschiedenheiten ist wie die des 20. Jahrhunderts. Man muss alles tun, um Hörer offen und neugierig zu machen.

Wolfgang Schreiber in der SZ über die Aufführung:

"Die Zweite, 1943 als riesiger Adagio-Satz komponierte und 1949 als Symphonie auasgewiesen, nimmt am Beginn des Konzerts unmittelbar gefangen. Metzmachers frische Energie treibt den Pulsschlag der Musik in die orchestralen Steigerungswellen und Gewaltentladungen hinein; er hat einen untrüglichen Sinn für die gestauten Kräfte der Form und des tragischen Weltverständnisses in ihren Verläufen. So fasst Metzmacher in der sechsten Symphonie von 1937 und 1952 das Adagio des ersten Satzes unter einen Bogen. Die Schluss-Toccata endet in motorisch-virtuoser Manier, mit drei übereinander geschichteten Fugen, die von der Souveränität des Handwerks wie der Erfindungskraft eines großen Komponisten des 20. Jahrhunderts erzählen."

Symphonie Nr. 2 "Adagio"

"Der langsame Satz, der mein ganzes Lebensgefühl widerspiegelt, ist daher, wie immer in meinen acht Symphonien, der persönlichste und bedingt mit seiner beschwörenden apokalyptischen Gestik als Gegentypus die raschen Ecksätze, die konstruktiv gehalten sind" (Hartmann)

Schwerelos betritt eine "redende" Solokantilene des Baritonsaxophons die Bühne. Diese elftaktige Hauptthema im Fünfvierteltakt , das zum Teil der klagenden hebräischen Weise "Eliahu ha-navi" nachempfunden ist, wird im Verlauf des durchmessenen Steigerungsbogens in spielerischem, variativem Umgang mit seinem Material von anderen Instrumenten wiederaufgegriffen.

Symphonie Nr. 6

Aus einem Urgrund heraus formiert sich in weitem Spannungsbogen über "Appassionato", "Agitato", "Exaltiert", "Con fuoco" bis hin zum Höhepunkt ein stürmischer Steigerungsprozess, um dann anschießend wieder zum Urgrund zurückzukehren. Dem Anbranden und Auflaufen der in drei- und vierfachem Forte tobenden Klimax stellt Hartmann jeweils ein kurzes retardierendes Moment der Gebrochenheit entgegen, als wolle er gleichsam diesen Prozess ex negativo spiegeln, um in verschärftem Gestus die klanglich-rhythmischen Komplexe eines als "Gesamtschlagwerk" agierenden Orchesters bis zur "Zerstörung" (Nono) voranzutreiben.
(Aus dem Programmheft von Marie-Therese Hommes)

Symphonie Nr. 1
Musik und Wahrhaftigkeit

Reinhard Schulz schreibt in der Süddeutschen Zeitung über das Konzert

Hartmanns erste Symphonie (1935719369 "ist eine über die politischen Umstände erschrockene, traurige und zugleich mutige Komposition, die in ihrem mahnend aufbegehrenden Ton natürlich keine Chance hatte ...aufgeführt zu werden. Keiner wusste damals, wie lange das von großen Massen bejubelte Elend anhalten wurde. Dass ein Komponist, der gerade dreißig geworden war, damals den Weg in die Isolation ging, der musikalischen Aussage und nicht dem persönlichen Fortkommen verpflichtet, verdient höchsten Respekt. Die Musik freilich gab dem Komponisten etwas zurück: Die Sprache gewann an Tiefe und an Schärfe, vor allem aber log sie nicht."

Unter dem Dirigenten Lothar Zagrosek gelang eine "mustergültig durchsichtige, alle thematischen Verästelungen erschließende Aufführung. ... Hier hörte man Hartmann, wie er wirklich klingen soll: das Ineinander von Linien, die Einspruch, Ausblick, Verdüsterung, plötzlicher Schock oder stummes Erleiden meinen. Es ist eine Musik ohne Leerstellen. Und die aufbegehrenden Exzesse des Schlagwerks trommelten wie an Gittern rüttelnd gegen das Unrecht an."

Weiters über Musik in schwerer Zeit - Schostakowitsch und Stalin

______________________________________________________________________

Erkennbar ist für uns, daß alles mit Allem verbunden ist, daß im Geflecht des Seins bereits geringste Veränderungen, die Richtung im Ganzen beeinflussen, daß die Wirklichkeit offen ist für unendliche Möglichkeiten. Und daß dies für uns erfahrbar ist, gibt bereits Werte für unser Sein, auch wenn uns Maß und Ziel des Ganzen noch verschlossen bleiben. Die Gestalt der Einheit ist im Werden.

	2	1
	HAMEL	BRITTEN
Henze über Hartmann Bachmann über Hartmann	HARTMANN	LIGETI
	HENZE	OLIVERO
	HILLER	SCHOSTAKOWITSCH
	SCHTSCHEDRIN SHCHEDRIN	USTWOLSKAJA
	MESSIAEN	WIDMANN
	TAN DUN	UNSUK CHIN
	XENAKIS	GUBAIDULINA
		EINE SEITE VON THEODOR FREY

	Konzert für Klavier und Orchester Nr. 5 Drei gänzlich verschiedene Sätze komponierte Shchedrin, aber das Themenmaterial des ersten zieht sich durch das ganze Werk, wandelt sich in Stimmung, Farbe und Charakter. Im Finale greift er die Crescendo-Idee von Ravels Boléro auf, aber in einem ganz anderen Tempo und im Stil einer virtuosen Toccata. Ein mitreissendes Werk! Die Zeichnung ist entstanden beim Anhören dieses Werks.
	Zum 70. Geburtstag von Hildburg Heider im NDR am 19. 12. 02		Rodiòn Schtschedrin verbrachte Kindheit und Jugend unter Stalin und machte Karriere im Sowjetstaat als Pianist, Organist und Komponist, bis er Anfang der 90er Jahre nach München übersiedelte. Von 1973 bis zur Ausreise in den Westen war er Vorsitzender des russsichen Komponistenverbands, einer alternativen Organisation zum regimekonformen sowjetischen Verband, in der Nachfolge von Dmitri Schostakowitsch. "Rodion Schtschedrin imitiert, collagiert, experimentiert quer durch die Musikgeschichte. In Oper, Ballett, Kammermusik oder Oratorium gießt er sein Füllhorn von verspielten, melancholischen und dramatischen Einfällen. 'Ich glaube, es ist absurd, musikalische Traditionen, die sich über Jahrhunderte hin entwickelt haben, einfach abzubrechen. Ich habe doch noch die gleichen Ohren wie die Leute vor 500 Jahren! Die gleichen Augen. Wieso sollen wir darauf verzichten zu verlangen, dass die Musik uns erfreuen soll? Uns wärmen, berühren? Wenn ich Brahms höre, kriege ich eine Gänsehaut. Auch bei Schostakowitsch oder Tschaikowsky. Ich kann Ihnen alles auf dem Klavier runterspielen, aber ich bin jedes mal von ihrer Schönheit bewegt. Gut, ich bin ein Traditionalist. Denn Traditionen darf man nicht abbrechen.' Sein Vater, selbst ein Berufsmusiker, ließ ihn Klavier und Geige lernen, so dass er bald mit Vater und Onkel im Trio mitspielen konnte. Den Sommer verbrachten die Schtschedrins auf dem Lande. Der Klang der Hirtenschalmei drang herüber über den Fluss Oka. Ein Kindheit unter Stalin - das bedeutete: heimliche Taufe, verstohlene Gebete, Arbeitslosigkeit des Vaters - er verlor seinen Posten als Dozent am Moskauer Konservatorium, weil der Großvater Priester gewesen war. Im Gegensatz zu Dmitri Schostakowitsch den er in Freundschaft verehrte , hat Rodion Schtschedrin Krieg, Gewaltherrschaft und das Dikatat des Sowjetrealismus ohne Schaden an Leib und Seele überstanden. Noch während des Krieges kam der 12jährige Rodion in ein Chorschulinternat. Später studierte er am Moskauer Konservatorium Komposition bei Juri Schaporin und Klavier bei Jakow Flier, dem auch Michael Pletnjow seine Ausbildung verdankt. 1954, ein Jahr nach Stalins Tod, trat Schtschedrin mit seiner Diplomarbeit, dem 1. Klavierkonzert an die Öffentlichkeit. Von 1965-69 wirkte Rodion Schtschedrin als Kompositionslehrer am Moskauer Konservatorium und setzte sich mit der westeuropäischen Avantgarde auseinander. Einige Stilmittel wie Chromatik, Clustertechnik und Instrumentenführung integriert er in seine Kompositionen, rechnet sich selbst jedoch zur 'Postavantgarde'. Zwischen 1968 und 78 orientiert sich Schtschedrin wieder an altrussischen Vorbildern Seine bisher erfolgreichste Oper entsteht: Tote Seelen nach Nikolaj Gogols Politkomödie. Hier greift er in den Farbentopf der Groteske und Folklore. Mit 20 Jahren lernte Rodion Schtschedrin die damalige Primaballerina des Moskauer Bolschojtheaters Maja Plisetzkaja kennen. Ihr hat er mehrere Ballette gewidmet. Seit 1992 leben sie abwechselnd in Moskau und München. "Ich bin kein Einsiedler, der zuhause hockt und Noten pinselt, Rosenblätter knabbert und an Gurkenlake nippt. Ich geh gern etwas Anständiges auswärts essen. Ich liebe die bayerische Küche, Riesenwürste und dicke Schweinshaxen oder Hammelkeulen. Ich bin kein Vielfraß, oh nein. Aber ich liebe eben dieses Leben! Ich hatte sogar einmal die Idee ein gastronomisches Thema zu komponieren. Vielleicht findet sich in meiner Altrussischen Zirkusmusik ein Rabelais - oder Rubensmotiv der russischen Weltanschauung. Eine subtil irdische, vollblütige Lebenslust mit Essen und Trinken."
	"Beethovens Heiligenstädter Testament" Symphonisches Fragment für Orchester 2008 (Kompositionsauftrag des Bayerischen Rundfunks) Maestoso con grave Uraufführung am 18./19.12.2008 in der Philharmonie am Gasteig München " . . . ach wie wär es möglich daß ich dann die / Schwäche eines Sinnes angeben sollte; der bej mir in / einem vollkommenern Grade als bej andern sein sollte, / einen Sinn denn ich einst in der größten Vollkommenheit / besaß, in einer Vollkommenheit, wie ihn wenige von / meinem Fache gewiß haben noch gehabt haben – o ich / kann es nicht, drum verzeiht,] wenn ihr mich da zurück- / weichen sehen werdet, wo ich mich gerne unter euch mischte / doppelt wehe thut mir mein unglück, indem ich dabej verkannt / werden muß, für mich darf Erholung in Menschlicher Gesell- / schaft, feinere Unterredungen, wechselseitige Ergießun- / gen nicht statt haben, ganz allein fast nur so viel / als es die höchste Notwendigkeit fodert, darf ich mich in gesell- / schaft, einlassen, wie ein Verbannter muß ich leben, . . ." Ludwig van Beethoven Heiglnstadt am 6ten ot october 1802		"Die modernen Komponisten müssen heute für den ersten Teil des Konzertes komponieren, solange das Publikum noch einigermaßen geduldig zuhört. Eine Aufführung nach der Pause kann manchmal folgenschwer sein. In diesem Fall erklingt zuerst die Symphonie von Karol Szymanowski. Danach kommt mein neues Werk, und nach der Pause wird die 'Eroica' von Beethoven gespielt. Und gerade diese Nachbarschaft hat mir die Richtung für meine Komposition gezeigt – hin zu einem Kontrast und zur Vorbereitung des Werkes nach der Pause. Es ist natürlich nicht einfach, einen solchen Titan wie Beethoven als musikalischen Nachbarn zu haben." (Rodion Schtschedrin)

TAN DUN 1957 in Si Mao, Provinz Hunan, China In seinen Kompositionen verknüpft er klassische und moderne Musikelemente und verbindet asiatische mit europäischen Musikrichtungen. 1992–1996 entstand seine erste Oper Marco Polo [ Eine Reise auf der Suche nach Erkenntnis], [deren Uraufführung ich 1996 bei der Biennale in München hören und sehen konnte und die mich beeindruckte.] Im Jahre 2000 fand in Stuttgart die Uraufführung der Water Passion* nach dem Matthäus-Evangelium statt; Auftraggeber war die Internationale Bachakademie, die zum 250. Todestag von Johann Sebastian Bach den Auftrag für neue Kompositionen der vier Evangelien jeweils an einen namhaften modernen Komponisten [Wolfgang Rihm, Sofia Gubaldulina, Osvaldo Golijov, Tan Dun] gab. Für ein breiteres Publikum wurde Tan Dun im Jahre 2000 durch seine Oscar-prämierte Filmmusik für Tiger & Dragon bekannt. Das Klavierkonzert HEAR & NOW wurde von der New Yorker Philharmonie in Auftrag gegeben und im April 2008 mit dem Pianisten Lang Lang und unter Leitung von Leonhard Slatkin uraufgeführt. Quelle: Wikipedia
MARCO POLO	"THE GATE: Orchestral Theatre IV"

In dem Werk „The Gate“ wird die Geschichte dreier Frauen aus verschiedenen Epochen und Kulturkreisen erzählt, die sich aus Liebe das Leben genommen haben. Yu Ji ist eine Figur der Peking-Oper, Julia eine Sopran der europäischen Tradition und Koharu-san findet sich im japanischen Puppentheater. „Es gibt heute einen schrecklichen Mangel an Liebe. Die Rettung dieser drei Frauen schien mir eine wichtige symbolische Aufgabe.“ Die drei Frauen befinden sich an dem Tor zu Paradies oder Verdammnis. In einer Art imaginärem Gerichtssaal wird entschieden, welche Zukunft ihnen nach ihrem Freitod aus Liebe bevorsteht. Die Herausforderung bestand darin, die musikalischen Traditionen dieser so verschiedenen Kulturkreise zu einer einheitlichen Handschrift zu verbinden, ohne den Charakter der jeweiligen stilistischen Ebenen zu nivellieren. „In meinen Augen ist alle Musik – ob fernöstlich oder westlich –eins.“ So benutzt er kompositorisch für alle drei Geschichten zwar das gleiche thematische Ausgangsmaterial, entwickelt es aber je nach Charakter der Figur individuell.